La música al igual que las otras artes y otras ciencias ha dependido de las costumbres de cada época y cada pueblo. Haciendo un resumen concisísimo podemos destacar varias etapas:
En el lenguaje
musical el término “barroco” se le aplica a la música que se produjo
aproximadamente entre los años 1600 a 1750.
Esta palabra cuyo significado es “perla de forma irregular” se deriva
probablemente del portugués. En un
principio se utilizó para describir algo que era “artificial, grandilocuente y
grotesco,” pero luego, perdió esta connotación negativa y, desde hace mucho, se
utiliza para denominar el arte y la música de una época determinada. Fue un
período en que se trató de dar a la música un contenido emocional, en otras
palabras, se podría considerar más bien “romántico” por el cromatismo y la
armonía utilizadas, así como la libertad aplicada a los aspectos formales de la
misma.
Además debe tomarse en cuenta que, durante este período no
sólo se escribió música para teclado sino también música vocal y orquestal y los
instrumentos de teclado que más se utilizaron en dicha época eran el clavecín y el órgano.
Vamos a hacer un análisis general de cada estilo de acuerdo
a los siguientes parámetros:
1. Textura:
Se utiliza mucho el “contrapunto imitativo” que llega a su
máxima expresión con Juan Sebastián Bach. La polifonía -varias voces al mismo
tiempo- es muy utilizada no solo en la música vocal sino también en la
instrumental.
2. Forma:
Las formas musicales más utilizadas fueron la fuga, el tema
con variaciones, la suite de danzas, la
toccata y la sonata entre otras.
3. Melodía:
Se caracteriza por ser estas de gran longitud, muy
cromáticas, de frases de irregular número de compases y muy ornamentadas. Se utilizan mucho los trinos y los mordentes
dentro de los cuales hay muchas variedades. Por regla general los trinos deben
comenzarse con la nota superior.
4. Armonía:
Se caracteriza por el desarrollo de las tonalidades mayor y
menor, en otras palabras, se impone el sistema “Tonal” sobre el “Modal”. Se empieza a desarrollar lo que hoy
conocemos como “armonía de acordes”
Se utiliza mucho la improvisación. Esta práctica era muy
importante y se usó como un recurso a la hora de componer y se refleja en
muchas de las obras para teclado, por ejemplo en las “cadenzas”
5. Dinámica:
Los compositores comienzan a indicar el Tempo y la Dinámica. La música barroca tiende a mantener niveles bastante uniformes de dinámica con pasajes uniformemente fuertes (forte) seguidos de pasajes uniformemente suaves (piano)
Para interpretar este tipo de música en el teclado, hay que poseer una gran independencia entre los dedos, con el fin de poder ser capaces de destacar las diferentes voces, tener un gran sentido rítmico, mantener un pulso estable y tener dedos ligeros y rápidos con una articulación pareja.
En cuanto al pedal, hay una gran variedad de opiniones. El clavicembalo no poseía pedal de sostenimiento y el fortepiano apenas comenzaba a aparecer y estaba en sus primeras etapas, por lo que es obvio que los tecladistas de la época no tenían esa posibilidad. Sin embargo, el piano actual si tiene pedal de sostenimiento y se puede utilizar en este tipo de música sobre todo en movimientos lentos más líricos, siempre y cuando se haga moderadamente y con mucho cuidado para no enturbiar la claridad de la ejecución.
Compositores de la
época barroca:
Hubo muchos compositores importantes en este período, pero
solo vamos a mencionar algunos de los más relevantes en la producción de música
para teclado. En Alemania, George
Friedrich Händel (1685-1764) y por supuesto Johann Sebastian Bach (1685-1750)
En Francia, Jean Philippe Rameau (1683-1764) y Francois
Couperin (1668-1733)
En España, Domenico Scarlatti (1685-1757) (de origen italiano) y el padre Antonio Soler (1729-1783) entre los más destacados.
Aún antes de la muerte de Bach, ya se estaba gestando otro estilo, al que se le llamó el preclásico donde jugaron un papel importante algunos de los hijos de Bach entre ellos Johann Christian, y Carl Philipp Emmanuel. Carl Philipp Emmanuel Bach en Alemania y Johann Christian Bach que marchó a Inglaterra. Esta modalidad del estilo preclásico en Alemania, se llamó EMPFINDSAM (Estilo expresivo).
LOS MAESTROS DE LA TRANSICIÓN: EL ESTILO GALANTE Y EL EMPFINDSAM
Contexto
Para esta época surgió en Europa un gran movimiento intelectual y político conocido como “La Ilustración”, o “La Era de la Razón” Es en esta época donde se empieza a fraguar la caída de las monarquías absolutas, que culmina con la Revolución Francesa en 1789, e inicio de los gobiernos democráticos cuyo lema inspirador fue: “libertad, igualdad y fraternidad”. Esta es la época en la que el hombre le da más importancia a las ciencias, al conocimiento y a la razón sobre la ignorancia y las supersticiones. Un acontecimiento muy importante de este período lo constituye la construcción, aproximadamente en 1708, del primer instrumento de teclado accionado por martillos o sea, el primer pianoforte, llamado así porque se podía tocar piano (suave) y forte (fuerte). El inventor del piano fue el florentino Bartolomeo Cristófori y a partir de entonces se empieza a desarrollar lo que hoy en día conocemos como el piano moderno.
Situación social del músico.
En cuanto a la posición del músico de la época, tanto para éstos como para los artistas en general, se les consideraban como sirvientes de los reyes y los nobles. Uno de estos casos es el de Franz Joseph Haydn, quien trabajó durante toda su vida al servicio del príncipe Nicolás Esterházy. Uno de los primeros músicos emancipados de la historia es Wolfgang Amadeus Mozart que intenta, aunque no con mucho éxito, hacer una carrera como compositor sin depender de ningún patrono, al renunciar a su puesto de kapellmaister (maestro de capilla) en la Catedral de Salzburgo e irse por su cuenta a Viena a probar suerte.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL CLASICISMO
1. Textura:
El período clásico representa el triunfo de la textura homofónica sobre la textura contrapuntística que había predominado desde la Edad Media. Se le llama homofonía a una melodía con acompañamiento en contraposición al contrapunto, que trabajaba con varias voces al mismo tiempo. La homofonía es una textura más sencilla. Sin embargo, el contrapunto no desaparece totalmente ya que los compositores lo siguen utilizando como un recurso en sus composiciones. En este período es que se hace popular el acompañamiento de las melodías utilizando el llamado “bajo de Alberti”, muy presente en las obras para teclado.
Las formas clásicas
son bien delineadas y equilibradas.
Surgen formas musicales que serán importantísimas: la forma
“sonata” La sonata clásica, con sus tres
movimientos básicos (rápido, lento, rápido) al igual que la sinfonía
clásica. Las frases musicales son, por
lo general de 8 compases, con cadencias
bien definidas. Toda obra clásica está
simétricamente estructurada.
3. Melodía:
Las melodías son, en su mayor parte, diatónicas, es decir, con poco cromatismo, característica que contrasta con las obras del Barroco. Las líneas melódicas del clasicismo son muy claras y fáciles de recordar, simétricas con cadencias bien definidas.
4. Armonía:
5. Ritmo:
El ritmo clásico se caracteriza por su claridad y por un fuerte pulso métrico. El pulso debe ser muy estable, sin embargo, se puede utilizar el “rubato”ya que sabemos que, por ejemplo, Mozart lo menciona en sus cartas cuando habla de cómo interpretar su música.
6. Dinámica:
El deseo de expresar diferentes tipos de emociones hizo que los compositores e intérpretes de la época utilizaran diferentes escalas de dinámica. Es en este período, en que se comienzan a usar los crescendos y diminuendos, cambios súbitos, acentos expresivos, y otros. También son muy importantes los grandes contrastes de dinámica, tempo (entre movimientos) y carácter.
En esta época,
la música es considerada como un arte sin ataduras o influencias directas de
otras artes como ocurre luego con el Romanticismo. En otras palabras, es considerada “música
pura,” sin seguir ningún tipo de guión o cualquier influencia emotiva, sin
grandes despliegues de sentimentalismo.
Parte de la
dificultad al interpretar una obra clásica es que, al estar formada por
melodías tan claras, muchas veces en forma de escalas y arpegios como elementos melódicos y expresivos, nunca virtuosisticos. Estas deben
de sonar muy precisas y nítidas y las manos deben de estar muy bien coordinadas
entre sí.
En cuanto la ejecución de los ornamentos, los trinos por lo general deben seguir haciéndose con la nota superior. La cantidad de adornos disminuye con respecto al Barroco .
Se comienza a utilizar el pedal ya que el fortepiano se va a desarrollar cada día en un instrumento más completo y se le agrega el pedal de sostenimiento para lograr una mayor duración del sonido con lo cual se obtiene una sonoridad más llena (cosa que no era posible en el clavicembalo) por lo que los compositores comienzan a utilizarlo.
También se usa el pedal de retención o pedal de dedos, manteniendo la primera nota de las 4 del acompañamiento para reforzar el elemento armónico del bajo.
Los compositores más destacados son:
Franz Joseph Haydn (1732-1809) de Austria, W. A. Mozart (1756-1791) también austriaco, y Ludwig van Beethoven (1770-1827) de Alemania. También podemos citar al italiano Muzio Clementi (1752-1832) quien fue uno de los más destacados pianistas y compositores de este período. Hay otros compositores menores como son: Kulhau, Dussek, Diabelli, y otros que compusieron una gran cantidad de obras como sonatinas, rondós y variaciones muchas veces con fines didácticos.
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