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| Juan Olaya. |
E S T I L O S M U S I C A L E S.-
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miércoles, 21 de enero de 2009
Estilos musicales. Guía rápida.
Historia
La música al igual que las otras artes y otras ciencias ha dependido de las costumbres de cada época y cada pueblo. Haciendo un resumen concisísimo podemos destacar varias etapas:
Prehistoria: no se disponen de testimonios escritos, si bien hay varias disciplinas musicales dentro de la musicología sistemática y otras ajenas (etnomusicología, parahistoria, organología [el estudio de los instrumentos], antropología, etnología, iconografía, arqueología, psicología, sociología) que se encargan de investigar instrumentos y costumbres, muchas veces analizando en las tribus indígenas actuales, de otros continentes.
Antigüedad: Mesopotamia, Egipto, Grecia y Roma son las principales exponentes, si bien Grecia es la mayor, sobre todo porque la música erudita europea bebe directamente de ella. Se conservan escasísimos documentos escritos de ella, como el Manuscrito de Seikilos. Es el comienzo de las teorías de la música. La música en esta época es considerada como una ciencia, junto con la aritmética por ejemplo.
En esta época y hasta el barroco (1600-1750) se utilizará la armonía modal, donde no hay tendencias claras hacia una nota en particular ni se trata de crear a lo largo de las obras un juego de tensión-reposo. Hasta el S. XII más o menos sólo habra música monofónica (sólo una nota común, sin ninguna otra simultaneamente)
Música medieval: esencialmente religiosa, pero será en el renacimiento cuando se transforme hacia un ámbito más humano, siguiendo religiosa hasta el barroco, despues mucho menos, aunque siempre habrá. Hay que distinguir anteriormente entre la música a interpretar en las celebraciones liturgicas (música liturgica) y la que no es para estos actos (música religiosa). Aparte sería la profana, sin ninguna unión con la religión.
Renacimiento: proliferación de compositores. Abundancia de estos en España: Tomás Luis de Victoria como mayor exponente.
Entre el renacimiento y el barroco se dan varias escuelas.
En el lenguaje
musical el término “barroco” se le aplica a la música que se produjo
aproximadamente entre los años 1600 a 1750.
Esta palabra cuyo significado es “perla de forma irregular” se deriva
probablemente del portugués. En un
principio se utilizó para describir algo que era “artificial, grandilocuente y
grotesco,” pero luego, perdió esta connotación negativa y, desde hace mucho, se
utiliza para denominar el arte y la música de una época determinada. Fue un
período en que se trató de dar a la música un contenido emocional, en otras
palabras, se podría considerar más bien “romántico” por el cromatismo y la
armonía utilizadas, así como la libertad aplicada a los aspectos formales de la
misma.
Además debe tomarse en cuenta que, durante este período no
sólo se escribió música para teclado sino también música vocal y orquestal y los
instrumentos de teclado que más se utilizaron en dicha época eran el clavecín y el órgano.
El barroco se caracteriza sobre todo por la armonía tonal, que aparece aqui, y por el contrapunto y la sobriedad. Se busca el contraste fuerte - piano (fuerte - suave, en música, cuando se refiere al matiz) Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Haendel son dos grandes exponentes junto con Vivaldi, Telemann y Rameau son barrocos anteriores a estos dos.
Vamos a hacer un análisis general de cada estilo de acuerdo
a los siguientes parámetros:
1. Textura:
Se utiliza mucho el “contrapunto imitativo” que llega a su
máxima expresión con Juan Sebastián Bach. La polifonía -varias voces al mismo
tiempo- es muy utilizada no solo en la música vocal sino también en la
instrumental.
2. Forma:
Las formas musicales más utilizadas fueron la fuga, el tema
con variaciones, la suite de danzas, la
toccata y la sonata entre otras.
3. Melodía:
Se caracteriza por ser estas de gran longitud, muy
cromáticas, de frases de irregular número de compases y muy ornamentadas. Se utilizan mucho los trinos y los mordentes
dentro de los cuales hay muchas variedades. Por regla general los trinos deben
comenzarse con la nota superior.
4. Armonía:
Se caracteriza por el desarrollo de las tonalidades mayor y
menor, en otras palabras, se impone el sistema “Tonal” sobre el “Modal”. Se empieza a desarrollar lo que hoy
conocemos como “armonía de acordes”
Se utiliza mucho la improvisación. Esta práctica era muy
importante y se usó como un recurso a la hora de componer y se refleja en
muchas de las obras para teclado, por ejemplo en las “cadenzas”
5. Dinámica:
Los compositores comienzan a indicar el Tempo y la Dinámica. La música barroca tiende a mantener niveles bastante uniformes de dinámica con pasajes uniformemente fuertes (forte) seguidos de pasajes uniformemente suaves (piano)
Para interpretar este tipo de música en el teclado, hay que poseer una gran independencia entre los dedos, con el fin de poder ser capaces de destacar las diferentes voces, tener un gran sentido rítmico, mantener un pulso estable y tener dedos ligeros y rápidos con una articulación pareja.
En cuanto al pedal, hay una gran variedad de opiniones. El clavicembalo no poseía pedal de sostenimiento y el fortepiano apenas comenzaba a aparecer y estaba en sus primeras etapas, por lo que es obvio que los tecladistas de la época no tenían esa posibilidad. Sin embargo, el piano actual si tiene pedal de sostenimiento y se puede utilizar en este tipo de música sobre todo en movimientos lentos más líricos, siempre y cuando se haga moderadamente y con mucho cuidado para no enturbiar la claridad de la ejecución.
Compositores de la
época barroca:
Hubo muchos compositores importantes en este período, pero
solo vamos a mencionar algunos de los más relevantes en la producción de música
para teclado. En Alemania, George
Friedrich Händel (1685-1764) y por supuesto Johann Sebastian Bach (1685-1750)
En Francia, Jean Philippe Rameau (1683-1764) y Francois
Couperin (1668-1733)
En España, Domenico Scarlatti (1685-1757) (de origen italiano) y el padre Antonio Soler (1729-1783) entre los más destacados.
EL ESTILO CLÁSICO. DEFINICIÓN, ANTECEDENTES Y CARACTERÍSTICAS.
Aún antes de la muerte de Bach, ya se estaba gestando otro estilo, al que se le llamó el preclásico donde jugaron un papel importante algunos de los hijos de Bach entre ellos Johann Christian, y Carl Philipp Emmanuel. Carl Philipp Emmanuel Bach en Alemania y Johann Christian Bach que marchó a Inglaterra. Esta modalidad del estilo preclásico en Alemania, se llamó EMPFINDSAM (Estilo expresivo).
LOS MAESTROS DE LA TRANSICIÓN: EL ESTILO GALANTE Y EL EMPFINDSAM
Contexto
Para esta época surgió en Europa un gran movimiento intelectual y político conocido como “La Ilustración”, o “La Era de la Razón” Es en esta época donde se empieza a fraguar la caída de las monarquías absolutas, que culmina con la Revolución Francesa en 1789, e inicio de los gobiernos democráticos cuyo lema inspirador fue: “libertad, igualdad y fraternidad”. Esta es la época en la que el hombre le da más importancia a las ciencias, al conocimiento y a la razón sobre la ignorancia y las supersticiones. Un acontecimiento muy importante de este período lo constituye la construcción, aproximadamente en 1708, del primer instrumento de teclado accionado por martillos o sea, el primer pianoforte, llamado así porque se podía tocar piano (suave) y forte (fuerte). El inventor del piano fue el florentino Bartolomeo Cristófori y a partir de entonces se empieza a desarrollar lo que hoy en día conocemos como el piano moderno.
Situación social del músico.
En cuanto a la posición del músico de la época, tanto para éstos como para los artistas en general, se les consideraban como sirvientes de los reyes y los nobles. Uno de estos casos es el de Franz Joseph Haydn, quien trabajó durante toda su vida al servicio del príncipe Nicolás Esterházy. Uno de los primeros músicos emancipados de la historia es Wolfgang Amadeus Mozart que intenta, aunque no con mucho éxito, hacer una carrera como compositor sin depender de ningún patrono, al renunciar a su puesto de kapellmaister (maestro de capilla) en la Catedral de Salzburgo e irse por su cuenta a Viena a probar suerte.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL CLASICISMO
1. Textura:
El período clásico representa el triunfo de la textura homofónica sobre la textura contrapuntística que había predominado desde la Edad Media. Se le llama homofonía a una melodía con acompañamiento en contraposición al contrapunto, que trabajaba con varias voces al mismo tiempo. La homofonía es una textura más sencilla. Sin embargo, el contrapunto no desaparece totalmente ya que los compositores lo siguen utilizando como un recurso en sus composiciones. En este período es que se hace popular el acompañamiento de las melodías utilizando el llamado “bajo de Alberti”, muy presente en las obras para teclado.
Las formas clásicas
son bien delineadas y equilibradas.
Surgen formas musicales que serán importantísimas: la forma
“sonata” La sonata clásica, con sus tres
movimientos básicos (rápido, lento, rápido) al igual que la sinfonía
clásica. Las frases musicales son, por
lo general de 8 compases, con cadencias
bien definidas. Toda obra clásica está
simétricamente estructurada.
3. Melodía:
Las melodías son, en su mayor parte, diatónicas, es decir, con poco cromatismo, característica que contrasta con las obras del Barroco. Las líneas melódicas del clasicismo son muy claras y fáciles de recordar, simétricas con cadencias bien definidas.
4. Armonía:
5. Ritmo:
El ritmo clásico se caracteriza por su claridad y por un fuerte pulso métrico. El pulso debe ser muy estable, sin embargo, se puede utilizar el “rubato”ya que sabemos que, por ejemplo, Mozart lo menciona en sus cartas cuando habla de cómo interpretar su música.
6. Dinámica:
El deseo de expresar diferentes tipos de emociones hizo que los compositores e intérpretes de la época utilizaran diferentes escalas de dinámica. Es en este período, en que se comienzan a usar los crescendos y diminuendos, cambios súbitos, acentos expresivos, y otros. También son muy importantes los grandes contrastes de dinámica, tempo (entre movimientos) y carácter.
En esta época,
la música es considerada como un arte sin ataduras o influencias directas de
otras artes como ocurre luego con el Romanticismo. En otras palabras, es considerada “música
pura,” sin seguir ningún tipo de guión o cualquier influencia emotiva, sin
grandes despliegues de sentimentalismo.
Parte de la
dificultad al interpretar una obra clásica es que, al estar formada por
melodías tan claras, muchas veces en forma de escalas y arpegios como elementos melódicos y expresivos, nunca virtuosisticos. Estas deben
de sonar muy precisas y nítidas y las manos deben de estar muy bien coordinadas
entre sí.
En cuanto la ejecución de los ornamentos, los trinos por lo general deben seguir haciéndose con la nota superior. La cantidad de adornos disminuye con respecto al Barroco .
Se comienza a utilizar el pedal ya que el fortepiano se va a desarrollar cada día en un instrumento más completo y se le agrega el pedal de sostenimiento para lograr una mayor duración del sonido con lo cual se obtiene una sonoridad más llena (cosa que no era posible en el clavicembalo) por lo que los compositores comienzan a utilizarlo.
También se usa el pedal de retención o pedal de dedos, manteniendo la primera nota de las 4 del acompañamiento para reforzar el elemento armónico del bajo.
Los compositores más destacados son:
Franz Joseph Haydn (1732-1809) de Austria, W. A. Mozart (1756-1791) también austriaco, y Ludwig van Beethoven (1770-1827) de Alemania. También podemos citar al italiano Muzio Clementi (1752-1832) quien fue uno de los más destacados pianistas y compositores de este período. Hay otros compositores menores como son: Kulhau, Dussek, Diabelli, y otros que compusieron una gran cantidad de obras como sonatinas, rondós y variaciones muchas veces con fines didácticos.
En el clasicismo la música clásica evoluciona hacia una música equilibrada entre estructura y melodía.
El romanticismo se distingue por un uso mayor de la melodía y una armonía mucho más compleja y expresiva. La moderación del clasicismo pasa a ser expresión de los sentimientos gracias a un avance en el ámbito de la armonía y el cromatismo. Su precursor fue Ludwig van Beethoven, otro de los genios de la música clásica. Consta de tres etapas principales:
A)Primer romanticismo: se vislumbran muchas coincidencias entre el clasicismo y el romanticismo (no hay sentimientos exacerbados): último Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann y Berlioz, principalmente.
B)Nacionalismos: elementos de la música popular y el folklore de la nación íntroducidos en la música de los compositores .
C)Posromanticismo: sentimientos exacerbados, armonías complejísimas (donde también entraría Wagner, aunque no es postrromantico), agotamiento de la capacidad de la música tonal, por la que se pasará a las tendencias del S. XX del atonalismo... Bruckner y Mahler sobre todo son los máximos representantes, entrando con varias obras impresionantes también dentro de un lenguaje tonal, posromántico, Schönberg, antes de su posterior época atonal.
Para finalizar (aunque recortando una barbaridad) desde principios del siglo XX existen corrientes musicales que se separan de la tradición de la tonalidad (no deben llamarse contemporáneas, sino actuales, porque las contemporáneas son las que se están produciendo en la actualidad más próxima)
Impresionismo (que no resuelve las tendencias resolutivas de la teoría tonal, con Debussy, Ravel o Satie como mayores exponentes).
Expresionismo (consiste en la liberación absoluta de la tonalidad (atonalismo) evitando resoluciones y atracciones. Su máximo representante y precursor es Arnold Schönberg (dodecafónico) junto con Alban Berg y Anton Webern, alumnos suyos). Utilizarán la Atonalidad (desligación de la tonalidad) y el Dodecafonismo (serie de doce notas para evitar la tonalidad, utilizando todos los 12 sonidos de la escala cromática occidental. Schönberg)
Serialismo (parecido al dodecafonismo pero ampliando el concepto de serie a otros parámetros, como intensidad, duración y timbre (Pierre Boulez,Karlheinz Stockhausen y Luigi Nono son autores destacados de esta tendencia)
Bitonalidad y politonalidad (superpone dos o más armonías a la misma vez, con compositores como Milhaud, Montsalvatge, etc.)
Música tímbrica (basada en la investigación de nuevos timbres, utilización distinta de instrumentos existentes, e invención de otros nuevos)
Neoclasicismo (se vuelve en la época de después de la II Guerra mundial al uso de un bajo como motor, junto con la vuelta a la armonía, aunque muy disonante, muy clara, y al contrapunto, en contraposición al atonalismo. Exponentes: sobre todo Stravinsky que tuvo muchas épocas y fue poco a poco incorporando otras tendencias a su música, hasta llegar a incorporar el serialismo, pero también Hindemith)
Realismo soviético (bajo condiciones del régimen no se permitían creaciones que no fueran entendibles por el pueblo y se exigen mínimos de coherencia con los valores tradicionales para una implicación mayor del pueblo. Aún así compositores (sobre todo Shostakovich) rompen esta regla en numerosas ocasiones, aunque nunca en demasía. Hay que tener cuidado de no menospreciar bajo estos argumentos la música de estos compositores, pues se merecen por si mismas tanto o mas respeto que el resto de tendencias. Otros ejemplos son Prokófiev y Kachaturian)
Música electrónica (no confundir con la más conocida música electrónica de guitarras, etc., ni con la creada por un ordenador o secuenciador al necesitarse una exactitud imposible para los interpretes)
Música electroacústica
Música aleatoria (el intérprete goza de libertad más o menos absoluta en la interpretación)
Música concreta (música sobre soporte cinta, cuya materia prima son sonidos grabados, manipulados y mezclados)
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martes, 20 de enero de 2009
EL DODECAFONISMO
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CONTEXTO HISTORICO, POLITICO Y SOCIO-CULTURAL
Nos situamos en Europa a comienzos del siglo XX.
Las tendencias políticas apuntan hacia lo popular y la
república, economicamente hacia el socialismo. (El Capital de Karl Marx).
Cientificamente hablando, la gente es positivista,
solo aceptan lo que puede ser pesado y medido.
Se conoce ladesintegración del átomo.
Aparece la ley de la Relatividad de Albert Einstein (1905).
En psicología, Sigmund Freud descubre el psicoanálisis
y las teorías del inconsciente.
En el terreno del arte se tiende al naturalismo
con mayor consideración a la personalidad, individualidad y
temperamento del artista.
La literatura, la música y el arte son los primeros sectores
que dejan notar el cambio de rumbo espiritual y de
pensamiento que se produce en este principio de siglo.
En el campo de la literatura, un ejemplo es el poeta Maeterlinck,
sus personajes y escenarios son fantásticos,
en el sentido de poco reales, alejados de los seres humanos,
tambien destaca Kafka.
En la música, se parte de Wagner, Debussy,
destacan Mahler, R. Strauss, Stravinsky
y aparece de formarompedora Arnold Schönberg,
que rompe con la belleza acostumbrada de las composiciones
para dar prioridad a la expresión interior y del ánimo,
dando el primer paso para lo que será la música del futuro;
por lo que más adelante nos centraremos en este personaje.
En 1919 se creó en Weimar (Alemania) la Bauhaus,
un centro docente de arte que además revolucionó el
mundo de la arquitectura.
En la pintura se pasa del impresionismo al expresionismo
y a la aparición del arte abstracto, se parte desde
Cézanne, pasando por Henri Matisse, Picasso
y una figura muy relevante que fué el ruso Kandinsky y que
tiene enorme relación con el personaje central de este estilo, Schönberg.
Cada uno de ellos con sus propias
particularidades; por ejemplo
Matisse dió una mayor importancia al color, mientras que
Picasso se lo dió a la forma.
En definitiva en cuanto a estilos y en lo que en música se refiere,
en la primera mitad del siglo XX, se pasa del impresionismo,
que exalta de forma poética los objetos exteriores,
al expresionismo, que exterioriza el mundo interior.
Situados en el estilo del expresionismo,
surge una novedad revolucionaria en la música,
que es el Dodecafonismo.
(La música Dodecafónica, creada por A. Schönberg
en la 2ª Escuela de Viena y seguida por
sus alumnos Alban Berg y Anton Webern.
Desde el punto de vista de corriente artística,
lo que se pretende, es expresar con mayor fuerza
los sentimientos humanos: la alegría, el dolor, la soledad, la angustia vital,
en definitiva, un estado de ánimo.
La música ha de servir de expresión del mundo interior del compositor
o de los personajes de una ópera.
Coincide en ésto con la aparición del psicoanálisis
en cuanto a desvelar los secretos del alma humana.
Paraello era preciso crear un nuevo lenguaje musical
que rompiera con los elementos del lenguaje musical tradicional
y con las normas que hasta entonces debian seguir las composiciones, se trata de una música más intelectual.
Si hablamos ya propiamente de la técnica,
se trataba de romper con la tonalidad.
La tonalidad se define como el sistema jerárquico de ordenación
de los sonidos de la escala musical, de forma
que todos han de estar vinculados al primer grado
que es la tónica (1ª nota de la escala), o sonido fundamental.
Antes de llegar al dodecafonismo y atonalismo,
se pasó por una tendencia intermedia que es el politonalismo,
donde se observa que en vez de pasar definitivamente de una tonalidad a otra,
durante unos momentos se oyen dos tonalidades superpuestas,
la que se abandona y la que empieza.
Esta técnica ya la había utilizado Wagner,
se oye en Stravinsky y fue bastante utilizada en Francia
por el llamado Grupo de los 6,
entre los que destaca Daruius Milhaud
y sus obras Saudades do Brasil y Scaramouche.
EL DODECAFONISMO:
Es unsistema de composición que utiliza
los doce sonidos de la escala cromática
sin establecer ningun tipo dejerarquía entre ellos.
El compositor piensa la serie que quiere utilizar,
la cual puede dar lugar a tres series secundarias.
Es decir: El dodecafonismo utiliza los doce sonidos
que da el piano en el espacio de una octava
(Do, Re Mi, Fa, Sol, La, Si, Do).
De un Do al siguiente se encuentran doce teclas
que representan doce sonidos distintos,
utilizándolos segun convenga en cada caso,
sin tener en cuenta en que tonalidad se
encuentra, o sea, la rompiendo las leyes armónicas.
La serie de 12 notas aparece en cuatro formas que son equivalentes:
Forma fundamental, en sentido directo. ·
Forma retrógrada, en sentido inverso. ·
Inversión, con cambios de orientación,
(como imagen en espejo horizontal). ·
Retrogradación de la inversión. ·
Las 4 formas pueden partir de cualquiera de los doce sonidos,
por lo que cada composición puede disponer de 48 series diferentes.
Los doce sonidos de la serie deben haber sonado
antes de repetirse alguno de ellos.
Las series pueden estratificarse:
Varias series transcurren simultaneamente y pueden fragmentarse.
La disposición de los sonidos de la serie
no está sometida a ninguna regla siendo equivalentes los doce,
evitando formaciones de centros tonales,
es por este motivo por lo que los doce deben de haber sonado antes
de repetirse alguno de ellos.
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Para ampliar consultar el siguiente artículo
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viernes, 9 de enero de 2009
El Impresionismo musical.-
ORIGEN DEL NOMBRE
Movimiento pictórico que se desarrolló en París y en Normandía creado por los pintores Monet, Manet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir y Cézanne, los cuales comenzaron a pintar en la década de 1860.
La obra de Claude Monet titulada, "Impresión, Sol naciente", es la que hizo que se les conociera con el nombre de impresionistas. Esta fue una de las obras que apareció en la primera exposición del grupo en 1874, y provocó feroces críticas y comentarios, llegando hasta la burla.
El Impresionismo en la música es posterior y comienza en 1887.
MÚSICA
Los músicos impresionistas trabajan de una manera muy parecida a las de los pintores. Observemos este cuadro comparativo entre las dos artes:
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PINTURA----------------------------------------------------------MÚSICA
_____________________________________________________
dibujo ..........................................=...............................melodía
_______________________________________________
color.............................................=.. timbre de los instrumentos
_______________________________________________
Estructura general del cuadro........=..Estructura general del sonido
(Tema o idea del cuadro)..............=.........................(armonía)
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Al surgir como una reacción contra el romanticismo e intentar buscar una solución a la agonía del sistema tonal tradicional, los impresionistas son los primeros en esbozar un sistema armónico en el que los acordes ya no resuelven y elaboran sus composiciones sobre una concepción tímbrica.
El timbre (el color) –los instrumentos– predomina sobre la melodía (el dibujo) y aún sobre la estructura global del sonido (la armonía).
La melodía se convierte en algo fragmentado, algo que evoca lo esencial, lo que contribuye a crear una atmósfera sonora, imprecisa, tan imprecisa como la línea en la pintura.
Debido a esto, las obras de los compositores impresionistas, evocan con su música una imagen visual, a lo que tambien contribuye la armonía, en el que los acordes que antes resolvían, ahora quedan fijados como acordes en sí mismos. Se genera así vaguedad e imprecisión así como un ambiente etéreo.
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Los músicos más destacados fueron :
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lunes, 22 de diciembre de 2008
ESTILO BARROCO.-Por Juan Olaya
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| Juan Olaya. |
La definición estilística de barroco de este breve artículo esta destinada sobre todo para los alumnos de los primeros cursos, para que vayan adentrandose en el significado del término y sus elementos básicos.
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Para una mayor profundización sobre el estilo , los contextos , los compositores etc, podéis descargar un tema COMPLETO elaborado para mis alumnos de Literatura e interpretación pianistica que también encontraréis en la sección de apuntes de Literatura e Interpretación.
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EL ESTILO BARROCO. ELEMENTOS BÁSICOS.-
I .-DEFINICIÓN
(DESCARGAR PDF)
El término barroco define un estilo artístico cuya característica principal es la ampulosidad o “recargamiento” de sus elementos. Esta definición básica es aplicable a todas las artes ( Arquitectura, Escultura, Pintura, Música, etc.).
El término barroco define un estilo artístico cuya característica principal es la ampulosidad o “recargamiento” de sus elementos. Esta definición básica es aplicable a todas las artes ( Arquitectura, Escultura, Pintura, Música, etc.).
Se desarrolla fundamentalmente desde 1600-1750.
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· En la arquitectura, los edificios( catedrales, palacios.) tienden hacia formas y estructuras cada vez más complejas y a la utilización de gran cantidad de elementos decorativos en sus fachadas.
· En la escultura, se representa cada vez más el movimiento; la figura humana y su estructura anatómica se presenta en posiciones más complicadas de ejecutar, alcanzando en ocasiones, un alto grado de dramatismo.
· En la pintura, la utilización de efectos de “claroscuro”, oponiendo las gamas de color entre sí producen efectos desconocidos hasta entonces de luces y sombras dando lugar al tenebrismo.
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II. El Barroco en la Música.-
· En la arquitectura, los edificios( catedrales, palacios.) tienden hacia formas y estructuras cada vez más complejas y a la utilización de gran cantidad de elementos decorativos en sus fachadas.
· En la escultura, se representa cada vez más el movimiento; la figura humana y su estructura anatómica se presenta en posiciones más complicadas de ejecutar, alcanzando en ocasiones, un alto grado de dramatismo.
· En la pintura, la utilización de efectos de “claroscuro”, oponiendo las gamas de color entre sí producen efectos desconocidos hasta entonces de luces y sombras dando lugar al tenebrismo.
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II. El Barroco en la Música.-
-En lo que se refiere a la música barroca, nos centraremos fundamentalmente en los elementos estilísticos de la música escrita para instrumentos de tecla(Clavecín o Clave).
Dos de los compositores que más frecuentemente se trabajan y sin duda más importantes y representativos de las dos tendencias que se desarrollan en el barroco son:
JUAN SEBASTIAN BACH
Dos de los compositores que más frecuentemente se trabajan y sin duda más importantes y representativos de las dos tendencias que se desarrollan en el barroco son:
JUAN SEBASTIAN BACH
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(Escuchar un fragmento de la ópera Rinaldo)
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA PARA TECLADO.-
Utilización del NON LEGATO ,tipo de articulación que produce una ligera separación entre las notas. El efecto se produce atacando las notas con el antebrazo, apoyándolas primero sobre las teclas para luego levantar antes de atacar la siguiente nota, produciendo de éste modo la separación.
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA PARA TECLADO.-
Utilización del NON LEGATO ,tipo de articulación que produce una ligera separación entre las notas. El efecto se produce atacando las notas con el antebrazo, apoyándolas primero sobre las teclas para luego levantar antes de atacar la siguiente nota, produciendo de éste modo la separación.
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Utilización de DISEÑOS POLIFÓNICOS. Polifonía: palabra griega que significa varias voces. Este elemento diferencia básicamente el estilo barroco del resto de los estilos. ¿Cómo se reconoce? Se reconoce por la entrada sucesiva de las voces(Pequeñas melodías que se van repitiendo a lo largo de toda la obra entrando unas detrás de otras.) Se produce un efecto imitativo;cada voz imita lo que ha hecho la anterior.
Podemos diferenciar básicamente varios tipos de textura:
a) Fuga severa.- con una gran densidad de voces y procedimientos estrictos. Su textura es mas profusa .Fugas del clave bien temperado, fantasía cromática y fuga, el arte de la fuga etc
b) Estilo contrapuntistico o fugado con diseños imitativos mas livianos o ligeros que los de la fuga severa. Más propios de la Suite.
1) Textura melódica oscilante como en las allemandas de las suites o partitas.
2) Ritmos incesantes como los de la courante o la bourre
c) Estilo libre más propio de las obras con un carácter improvisatorio; Fantasías, algunos preludios del clave bien temperado, recitativos e introducciones a grandes obras etc, que aunque a priori parezca más denso que el de una fuga en la masa de notas, no contiene tanta rigidez en los procedimientos de construcción.
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Utilización de NOTAS DE ADORNO ( Trinos, semitrinos, apoyaturas, grupetos, etc.) para contrarrestar la escasa sonoridad del instrumento para el que estaban escritas las obras barrocas.El Barroco es un estilo con una escritura densa debido a la profusión de voces que conforma el tejido contrapuntístico y muy ornamentado debido al “horror vacui” propio del estilo barroco y a la escasa sonoridad del clave , lo que convierte la ornamentación en un arte en si misma.
Utilización de NOTAS DE ADORNO ( Trinos, semitrinos, apoyaturas, grupetos, etc.) para contrarrestar la escasa sonoridad del instrumento para el que estaban escritas las obras barrocas.El Barroco es un estilo con una escritura densa debido a la profusión de voces que conforma el tejido contrapuntístico y muy ornamentado debido al “horror vacui” propio del estilo barroco y a la escasa sonoridad del clave , lo que convierte la ornamentación en un arte en si misma.
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ASPECTOS BÁSICOS DE LA INTERPRETACIÓN.-
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a) Articulaciones de ataque. Podemos utilizar como criterio básico aquel en el que la nota más larga sea NON LEGATO.
b) Articulaciones de Fraseos. En diseños fluctuantes e ininterrumpidos como en las allemandas ( en las que a veces nos podemos encontrar dos páginas completas de baterías de semicorcheas ), , debemos encontrar las respiraciones en función del ritmo interno de la obra, normalmente ritmos acéfalos. Asi pues dibujaremos los arcos para articular el fraseo en motivos o frases.
c) Armonía. Encontrar los Puntos de tensión o reposo armónico en la obra lo cual nos ayudará a entender el fraseo y la dinámica generales.
d) Digitación. Tener en cuenta las digitaciones barrocas con cruzamientos de dedos y digitaciones pareadas que nos ayudaran a dar sentido a la dicción del texto.
Seria de mucha utilidad consultar el Clavierbüchlein vor Wilhelm Friedemann Bach, (el libro para clavicordio de Friedemann, hijo de Bach). Bach escribió unas anotaciones explicativas sobre diversos temas y entre ellos nos legó un valioso testimonio de digitación en el que cuidó hasta el último detalle el movimiento de los dedos sobre el teclado al que denominó “ Applicatio”.
e) Pedal.
-El criterio básico de pedal en Bach sera el del Legato de dedos. Debemos realizar un exhaustivo trabajo para mantener la duración y el valor real de las notas exclusivamente con los dedos. Sin esta premisa no podemos entender el estilo polifónico.
-El segundo criterio será la utilización de pedales cortos y no muy profundos.
-El tercero sera poner pedal en los saltos de difícil acceso para un mejor mantenimiento de las voces cuando no sea posible con los dedos.
-El cuarto es que en las fantasías o introducciones de carácter improvisatorio con escritura densa en arpegios, podemos ser más generosos con el pedal.
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f) Control dinámico de las voces. Utilizar el toque por presión. Mantener la duración y valor real de las notas . Establecer parámetros dinámicos para diferenciar la entrada de la cabeza del siguiente sujeto y a su vez diferenciar los episodios o divertimentos con otra dinámica.
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g) Rubato. En ocasiones debemos encontrar el equilibrio de la pieza propuesta ( por ejemplo en una sarabanda ) , diferenciando :
1) lo estructural
de
2) las partes ornamentales
o recitativos,
mediante la utilización de un tempo elástico en el que lo estructural mantendrá un pulso más estricto y el resto será interpretado con una cierta libertad.
LOS COMPOSITORES BARROCOS Y SUS OBRAS
PARA TECLADO
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Obras básicas.-
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BACH (1685-1750)
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Album de Ana Magdalena.
Pequeños preludios y fugas.
Invenciones a 2 y 3 voces.
Preludios y fugas.
Suites.
Partitas.
Conciertos para Clave
BACH (1685-1750)
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Album de Ana Magdalena.
Pequeños preludios y fugas.
Invenciones a 2 y 3 voces.
Preludios y fugas.
Suites.
Partitas.
Conciertos para Clave
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HAËNDEL(1685-1759)
Fuguetas.
Minuetos.
Sonatas y sonatinas.
Suites, partitas etc.
HAËNDEL(1685-1759)
Fuguetas.
Minuetos.
Sonatas y sonatinas.
Suites, partitas etc.
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-Otros compositores
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-Vivaldi
-Telemann
-Purcell
-Albinoni
-etc.
-Vivaldi
-Telemann
-Purcell
-Albinoni
-etc.
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